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Duane Hanson | Olivier Mosset

September 29–November 12, 2016
Paris

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Installation view, photo by Zarko Vijatovic

Installation view, photo by Zarko Vijatovic

Installation view, photo by Zarko Vijatovic

Installation view, photo by Zarko Vijatovic

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Installation view, photo by Zarko Vijatovic

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Works Exhibited

Duane Hanson, Surfer, 1987 Polyvinyl, polychromed in oil, mixed media, with accessories, 66 ¼ × 37 ½ × 16 inches (168.3 × 95.3 C 40.6 cm)Photo by Rob McKeever

Duane Hanson, Surfer, 1987

Polyvinyl, polychromed in oil, mixed media, with accessories, 66 ¼ × 37 ½ × 16 inches (168.3 × 95.3 C 40.6 cm)
Photo by Rob McKeever

Olivier Mosset, Untitled, 2016 Sprayed polyurethane on canvas, 120 × 120 inches (304.8 × 304.8 cm)Photo by Rob McKeever

Olivier Mosset, Untitled, 2016

Sprayed polyurethane on canvas, 120 × 120 inches (304.8 × 304.8 cm)
Photo by Rob McKeever

About

I do not love fiction, I love history.
—Duane Hanson

A painting is simply a material object but, because of the situation, the discourse, the history—it’s also inevitably something else.
—Olivier Mosset

Gagosian is pleased to present an exhibition of works by Duane Hanson and Olivier Mosset.

The hyperrealistic sculptures of Duane Hanson and the minimalist paintings of Olivier Mosset are brought together in this exhibition for the first time. The two artists, radically different and equally extreme in their respective lines of inquiry, seek, each in his own way, to test the boundaries of human perception.

For Duane Hanson, highly detailed and precisely realized figuration became a tool through which to resist objectivity and neutrality. Hanson’s startlingly lifelike human figures, which emphasize American working class subjects, have distinguished his oeuvre over forty years. At the beginning of his career, Hanson created tableaux of traumatic and violent social upheaval, such as Abortion (1966) and Race Riot (1969–71), many of which he destroyed later, wishing to be remembered for the more subtly evocative works of his mature period, which include the exhibited Window Washer (1984) and Housepainter I (1984–88). Hanson’s individual figures of ordinary Americans, evolving out of precedents including nineteenth-century French Realism, evoke cathartic narrative and pathos. His precision with small details such as hair strands, the elasticity of skin, the textures of clothing, and the expressiveness of a face lost in thought arouse strong emotions ranging from empathy to revulsion.

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I do not love fiction, I love history.
—Duane Hanson

A painting is simply a material object but, because of the situation, the discourse, the history—it’s also inevitably something else.
—Olivier Mosset

Gagosian est heureuse de présenter une exposition d’œuvres de Duane Hanson et d’Olivier Mosset. Les sculptures hyperréalistes de Duane Hanson et les peintures minimalistes d’Olivier Mosset sont exposées ensemble pour la première fois. Les deux artistes, radicalement différents et tout aussi extrêmes dans leurs champs de recherche respectifs, s’emploient, chacun à leur manière, à tester les limites de la perception humaine.

Pour Duane Hanson, la figuration extrêmement détaillée et précisément réalisée est devenue un outil pour résister à l’objectivité et à la neutralité. Les figures humaines d’Hanson au réalisme saisissant, qui dépeignent des personnes en mettant l’accent sur la classe ouvrière américaine, ont été au cœur de son œuvre pendant plus de quarante ans. Au début de sa carrière, Hanson a réalisé des scènes de bouleversements sociaux traumatisants et violents, comme Abortion (1966) et Race Riot (1969–71), dont il détruisit la plupart par la suite, car il souhaitait que l’on se souvienne de lui pour ses œuvres plus subtilement évocatrices de sa période mature; parmi les œuvres exposées Window Washer (1984) et Housepainter I (1984–88) caractérisent cela. Les représentations d’américains ordinaires par Hanson, s’inscrivant dans une tradition et notamment dans le Réalisme français du dix-neuvième siècle, évoquent la narration cathartique et le pathos. La précision qu’il apporte aux petits détails comme les cheveux, l’élasticité de la peau, la texture des vêtements, et l’expressivité du visage perdu dans ses pensées, provoquent des émotions fortes allant de l’empathie à la répulsion.

A la recherche de la rigueur formelle et des origines physiques de la peinture, l’art d’Olivier Mosset est direct et évident, rejetant la figuration, la subjectivité, le symbole et la métaphore dans une pratique qui, à la fois, retient et rejette l’histoire dialectique de la peinture. Membre du groupe minimaliste BMPT aux côtés de Daniel Buren, Michel Parmentier et Niele Toroni, la recherche de Mosset se consacre à l’interrogation des idées fixes à propos de la paternité créatrice. BMPT était en phase avec une vague intellectuelle de théorie critique du vingtième siècle impliquée dans la déconstruction d’idées à propos de la création et de l’interprétation de la culture, «La mort de l’auteur» de Roland Barthes en étant un exemple majeur.

Les deux cents peintures à l’huile, ou davantage, identiques, que Mosset a produites entre 1966 et 1974, représentant un petit cercle noir au centre d’une toile blanche carrée, sont considérées comme l’apogée de l’approche expérimentale de la peinture de BMPT, qui cherchait aussi à défier la fonction sociale de l’artiste. Associées à l’abstraction conceptuelle, les œuvres de Mosset se caractérisent par une forme et une couleur pures, provoquant des expériences physiques illimitées de la surface, de l’échelle et du motif. A travers cinq nouvelles toiles monochromatiques, chacune ayant une nuance de couleur sourde ou intense, Mosset poursuit son exploration des possibilités de la forme pure.

Dans une juxtaposition forte qui met en contraste l’aspiration vers la neutralité sublime avec le désir de représenter le pathos de la réalité humaine, deux axes de l’art du vingtième siècle créent des expériences physiques saisissantes, dans lesquelles le spectateur peut considérer sa propre manière de voir.