Emily

Tout, je peins tout. Aweleye (mon Rêve), Arlatyeye (igname), Arkerrthe (lézard diable des montagnes), Ntange (graine d'herbe), Tingu (chiot de Rêve), Ankerre (émeu), Intekwe (aliment préféré des émeus, une petite plante) Atnwerle (haricot vert) et Kame (graine d’igname). C’est ce que je peins : tout.
—Emily Kame Kngwarreye

Gagosian est heureuse de présenter Emily: Desert Painter of Australia, la première exposition personnelle d’Emily Kame Kngwarreye (1910–1996) en France. Il s’agit de la quatrième d’une série d’expositions notables à Gagosian sur le phénomène remarquable de la peinture aborigène australienne lointaine, organisée en collaboration avec D’Lan Contemporary, une importante galerie d’art aborigène australien basée à Melbourne.

Figurant parmi les artistes les plus reconnues d’Australie, Emily, comme on l’appelle, a grandi dans la région reculée du désert central d’Utopia, où elle avait seulement des contacts sporadiques avec le monde au-delà de sa propre communauté. Quand elle travaillait en tant que vachère, elle a développé ses prodigieuses compétences artistiques dans les ateliers des terres d’Utopia – d’abord dans la production de batik traditionnel puis avec la peinture sur toile. (Jusqu’à l’intervention d’Emily en 1988, la peinture et la toile étaient principalement du ressort des artistes masculins depuis l’introduction de ces matériaux dans la colonie de Papunya dans le territoire septentrional au début des années 1970). S’inspirant des topographies de la terre et du ciel, des cycles des saisons, des inondations et des pluies, des graines, des récoltes et des forces spirituelles, ses peintures représentent les récits et les symboles durables de son peuple et de sa terre, ainsi que la conservation de précieuses connaissances et histoires. Le nom Kame désigne l’igname et sa graine, le totem d’Emily et ainsi, la force motrice de son œuvre.

Emily se distingue parmi les peintres aborigènes australiens par son exploration rapide et constante de différents styles et par son inventivité audacieuse au regard de la forme et de la couleur. Au fil du temps, ses premières peintures à « points » envoûtantes ont cédé la place à des toiles plus gestuelles, qui sont réduites dans leurs détails et libérées dans leurs qualités formelles. Jusqu’à sa mort en 1996, elle a peint de manière prolifique des formats à la fois petits et grands, avec des pinceaux, des bâtons et les bouts de ses doigts sur du lin non tendu posé à plat sur le sol, s’asseyant à côté ou dans la composition même. Le travail d’Emily a été présenté pour la première fois au niveau international lors de la 47e Biennale de Venise en 1997, ce qui, au cours des décennies qui ont suivi, lui a permis d’acquérir une stature critique à la fois localement et internationalement, dans le contexte de la peinture contemporaine mondiale.

L’œuvre d’Emily a été inspirée par son rôle d’aînée Anmatyerre et de gardienne à vie des sites de Rêve des femmes dans le clan de son pays, Alhalkere. Pour les aborigènes australiens, « Rêver » représente une vision du monde culturelle qui leur procure un sens ordonné de la réalité, un cadre pour comprendre et interpréter le monde et la place des humains en son sein. Cette précieuse connaissance de la vie humaine comprend des stratégies de survie, des histoires ancestrales et des récits de la terre et du cosmos. « Pays » décrit les terres, les rivières, les lacs et les océans qu’ils habitent, à la fois physiquement et spirituellement, et contient des idées complexes sur toutes pratiques déterminantes pour la vie, y compris la langue, la gouvernance, la famille et l’identité. Les traditions des femmes, souvent d’une importance politique, sociale et économique considérables dans la communauté, sont protégées et transmises par la narration et les médias visuels, ce qui comprend des dessins peints sur le corps et des surfaces rocheuses, tracés dans la terre ou gravés dans la roche ou encore, l’écorce d’arbre.

Les œuvres de cette exposition peuvent être réparties en plusieurs catégories distinctes et évidentes du travail d’Emily telles que les rayures horizontales ou verticales vives liées à la peinture corporelle rituelle ; les peintures de points chromatiques nuancées, parfois rendues encore plus complexes par des cartographies intégrées ; et des coups de pinceau qui recouvrent la surface de la toile, scintillants de vitalité. Les points et les lignes dans les peintures d’Emily schématisent les énergies vitales de la terre et du corps, de la vie animale et végétale, ainsi que des histoires ancestrales ou des chansons. Bien que des affinités puissent être perçues et des parallèles établis entre l’art d’Emily et celui d’autres artistes modernes et contemporains, il convient de noter qu’en tant que descendante et gardienne de la culture vivante la plus ancienne du monde, elle était isolée et désengagée des traditions historiques de l’art occidental. Aweleye (1990) est une représentation du propre rêve d’Emily, une cartographie subtile et complexe de couleurs et de formes où des milliers de points délicats, allant des tons marins aux tons terreux, oscillent dans un cadre aérien de lignes sinueuses, tandis que les coups de pinceau vigoureux de My Country #20 (1996) pourraient être interprétés comme étant ses réponses sensorielles directes aux jeux de lumière auroraux et crépusculaires sur un terrain désertique ondulant. Anooralya (1995), dont le titre se traduit par « Rêve d’igname sauvage », évoque une terre plate balayée par le vent et un réseau tourbillonnant de tubercules d’igname sauvage, l’aliment de base saisonnier traditionnellement récolté par les femmes. Le mouvement des lignes de cette peinture suggère les vies et les récits d’un lieu où vie humaine et végétale s’entremêlent dans des variations dramatiques et anciennes.