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Extended through March 26, 2022

Emily

Desert Painter of Australia

January 21–March 26, 2022
rue de Ponthieu, Paris

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Installation view Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

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Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

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Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

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Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

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Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

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Installation view with Emily Kame Kngwarreye, Winter Amelie I (1994) Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

Installation view with Emily Kame Kngwarreye, Winter Amelie I (1994)

Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

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Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

Installation view Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

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Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

Installation view Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

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Artwork © ADAGP, Paris, 2022. Photo: Zarko Vijatovic

Works Exhibited

Emily Kame Kngwarreye, Anooralya Yam, 1995 Synthetic polymer paint on linen, 59 ⅞ × 36 ¼ inches (152 × 92 cm)© ADAGP, Paris, 2022. Photo: Martin Wong

Emily Kame Kngwarreye, Anooralya Yam, 1995

Synthetic polymer paint on linen, 59 ⅞ × 36 ¼ inches (152 × 92 cm)
© ADAGP, Paris, 2022. Photo: Martin Wong

Emily Kame Kngwarreye, Kame Yam Awelye, 1996 Synthetic polymer on Belgian linen, 59 ½ × 35 ½ inches (151 × 90 cm)© ADAGP, Paris, 2022. Photo: Rob McKeever

Emily Kame Kngwarreye, Kame Yam Awelye, 1996

Synthetic polymer on Belgian linen, 59 ½ × 35 ½ inches (151 × 90 cm)
© ADAGP, Paris, 2022. Photo: Rob McKeever

Emily Kame Kngwarreye, Untitled – Alhalkere, 1994 Synthetic polymer paint on canvas, 45 ¾ × 137 inches (116 × 348 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Untitled – Alhalkere, 1994

Synthetic polymer paint on canvas, 45 ¾ × 137 inches (116 × 348 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Awelye, 1990 Synthetic polymer paint on canvas, 35 ½ × 47 ⅞ inches (90 × 121.5 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Awelye, 1990

Synthetic polymer paint on canvas, 35 ½ × 47 ⅞ inches (90 × 121.5 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Untitled, 1990 Synthetic polymer paint on canvas, 47 ⅞ × 35 ½ inches (121.5 × 90 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Untitled, 1990

Synthetic polymer paint on canvas, 47 ⅞ × 35 ½ inches (121.5 × 90 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Early Summer Flowers IV, 1991 Synthetic polymer paint on linen, 35 ½ × 59 ⅛ inches (90 × 150 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Early Summer Flowers IV, 1991

Synthetic polymer paint on linen, 35 ½ × 59 ⅛ inches (90 × 150 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Summer Flowers, 1991 Synthetic polymer paint on linen, 59 ⅛ × 35 ½ inches (150 × 90 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Summer Flowers, 1991

Synthetic polymer paint on linen, 59 ⅛ × 35 ½ inches (150 × 90 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Untitled, 1992 Synthetic polymer paint on linen, 59 ⅞ × 47 ⅝ inches (152 × 121 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Untitled, 1992

Synthetic polymer paint on linen, 59 ⅞ × 47 ⅝ inches (152 × 121 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Winter Awelye I, 1995 Synthetic polymer paint on linen, 59 ⅛ × 47 ¼ inches (150 × 120 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Winter Awelye I, 1995

Synthetic polymer paint on linen, 59 ⅛ × 47 ¼ inches (150 × 120 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Untitled, 1993 Synthetic polymer paint on linen, 59 ½ × 35 ½ inches (151 × 90 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Untitled, 1993

Synthetic polymer paint on linen, 59 ½ × 35 ½ inches (151 × 90 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Anooralya, 1995 Synthetic polymer paint on linen, 47 ⅞ × 35 ½ inches (121.5 × 90 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Anooralya, 1995

Synthetic polymer paint on linen, 47 ⅞ × 35 ½ inches (121.5 × 90 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Awelye, 1995 Acrylic on polyester, 72 ⅞ × 31 ⅜ inches (185 × 79.5 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Awelye, 1995

Acrylic on polyester, 72 ⅞ × 31 ⅜ inches (185 × 79.5 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Anooralya, 1996 Synthetic polymer paint on linen, 47 ⅝ × 35 ½ inches (121 × 90 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, Anooralya, 1996

Synthetic polymer paint on linen, 47 ⅝ × 35 ½ inches (121 × 90 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, My Country #20, 1996 Synthetic polymer paint on linen, 31 ⅞ × 28 ⅜ inches (81 × 72 cm)© ADAGP, Paris, 2022

Emily Kame Kngwarreye, My Country #20, 1996

Synthetic polymer paint on linen, 31 ⅞ × 28 ⅜ inches (81 × 72 cm)
© ADAGP, Paris, 2022

About

Whole lot, that’s the whole lot. Aweleye (my Dreaming), Arlatyeye (pencil yam), Arkerrthe (mountain devil lizard), Ntange (grass seed), Tingu (a Dreamtime pup), Ankerre (emu), Intekwe (a favorite food of emus, a small plant) Atnwerle (green bean), and Kame (yam seed). That’s what I paint: whole lot.
—Emily Kame Kngwarreye

Gagosian is pleased to present Emily: Desert Painter of Australia, the first solo exhibition in France of the work of Emily Kame Kngwarreye (1910–1996). This is the fourth in a series of noted exhibitions at Gagosian on the remarkable phenomenon of remote Australian Indigenous painting, organized in collaboration with D’Lan Contemporary, a leading gallery in Indigenous Australian art, based in Melbourne, Australia.

One of Australia’s most revered artists, Emily, as she is widely known, grew up in the remote central desert region of Utopia, where she had only sporadic contact with the world beyond her own community. While working as a stockhand, she developed her prodigious artistic skills in Utopia settlement workshops—first in traditional batik production and then painting on canvas. (Until Emily’s intervention in 1988, paint and canvas had predominantly been the purview of male artists since the introduction of these materials into the Papunya settlement in the Northern Territory in the early 1970s). Inspired by the topographies of land and sky, the cycles of season, flooding waters and rains, seeds, harvest, and spiritual forces, her paintings depict the enduring narratives and symbols of her people and their land, and the keeping of precious shared knowledge and stories. The name “Kame” denotes the pencil yam and its seeds, Emily’s totem and thus the motivating force of her oeuvre.

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Tout, je peins tout. Aweleye (mon Rêve), Arlatyeye (igname), Arkerrthe (lézard diable des montagnes), Ntange (graine d'herbe), Tingu (chiot de Rêve), Ankerre (émeu), Intekwe (aliment préféré des émeus, une petite plante) Atnwerle (haricot vert) et Kame (graine d’igname). C’est ce que je peins : tout.
—Emily Kame Kngwarreye

Gagosian est heureuse de présenter Emily: Desert Painter of Australia, la première exposition personnelle d’Emily Kame Kngwarreye (1910–1996) en France. Il s’agit de la quatrième d’une série d’expositions notables à Gagosian sur le phénomène remarquable de la peinture aborigène australienne lointaine, organisée en collaboration avec D’Lan Contemporary, une importante galerie d’art aborigène australien basée à Melbourne.

Figurant parmi les artistes les plus reconnues d’Australie, Emily, comme on l’appelle, a grandi dans la région reculée du désert central d’Utopia, où elle avait seulement des contacts sporadiques avec le monde au-delà de sa propre communauté. Quand elle travaillait en tant que vachère, elle a développé ses prodigieuses compétences artistiques dans les ateliers des terres d’Utopia – d’abord dans la production de batik traditionnel puis avec la peinture sur toile. (Jusqu’à l’intervention d’Emily en 1988, la peinture et la toile étaient principalement du ressort des artistes masculins depuis l’introduction de ces matériaux dans la colonie de Papunya dans le territoire septentrional au début des années 1970). S’inspirant des topographies de la terre et du ciel, des cycles des saisons, des inondations et des pluies, des graines, des récoltes et des forces spirituelles, ses peintures représentent les récits et les symboles durables de son peuple et de sa terre, ainsi que la conservation de précieuses connaissances et histoires. Le nom Kame désigne l’igname et sa graine, le totem d’Emily et ainsi, la force motrice de son œuvre.

Emily se distingue parmi les peintres aborigènes australiens par son exploration rapide et constante de différents styles et par son inventivité audacieuse au regard de la forme et de la couleur. Au fil du temps, ses premières peintures à « points » envoûtantes ont cédé la place à des toiles plus gestuelles, qui sont réduites dans leurs détails et libérées dans leurs qualités formelles. Jusqu’à sa mort en 1996, elle a peint de manière prolifique des formats à la fois petits et grands, avec des pinceaux, des bâtons et les bouts de ses doigts sur du lin non tendu posé à plat sur le sol, s’asseyant à côté ou dans la composition même. Le travail d’Emily a été présenté pour la première fois au niveau international lors de la 47e Biennale de Venise en 1997, ce qui, au cours des décennies qui ont suivi, lui a permis d’acquérir une stature critique à la fois localement et internationalement, dans le contexte de la peinture contemporaine mondiale.

L’œuvre d’Emily a été inspirée par son rôle d’aînée Anmatyerre et de gardienne à vie des sites de Rêve des femmes dans le clan de son pays, Alhalkere. Pour les aborigènes australiens, « Rêver » représente une vision du monde culturelle qui leur procure un sens ordonné de la réalité, un cadre pour comprendre et interpréter le monde et la place des humains en son sein. Cette précieuse connaissance de la vie humaine comprend des stratégies de survie, des histoires ancestrales et des récits de la terre et du cosmos. « Pays » décrit les terres, les rivières, les lacs et les océans qu’ils habitent, à la fois physiquement et spirituellement, et contient des idées complexes sur toutes pratiques déterminantes pour la vie, y compris la langue, la gouvernance, la famille et l’identité. Les traditions des femmes, souvent d’une importance politique, sociale et économique considérables dans la communauté, sont protégées et transmises par la narration et les médias visuels, ce qui comprend des dessins peints sur le corps et des surfaces rocheuses, tracés dans la terre ou gravés dans la roche ou encore, l’écorce d’arbre.

Les œuvres de cette exposition peuvent être réparties en plusieurs catégories distinctes et évidentes du travail d’Emily telles que les rayures horizontales ou verticales vives liées à la peinture corporelle rituelle ; les peintures de points chromatiques nuancées, parfois rendues encore plus complexes par des cartographies intégrées ; et des coups de pinceau qui recouvrent la surface de la toile, scintillants de vitalité. Les points et les lignes dans les peintures d’Emily schématisent les énergies vitales de la terre et du corps, de la vie animale et végétale, ainsi que des histoires ancestrales ou des chansons. Bien que des affinités puissent être perçues et des parallèles établis entre l’art d’Emily et celui d’autres artistes modernes et contemporains, il convient de noter qu’en tant que descendante et gardienne de la culture vivante la plus ancienne du monde, elle était isolée et désengagée des traditions historiques de l’art occidental. Aweleye (1990) est une représentation du propre rêve d’Emily, une cartographie subtile et complexe de couleurs et de formes où des milliers de points délicats, allant des tons marins aux tons terreux, oscillent dans un cadre aérien de lignes sinueuses, tandis que les coups de pinceau vigoureux de My Country #20 (1996) pourraient être interprétés comme étant ses réponses sensorielles directes aux jeux de lumière auroraux et crépusculaires sur un terrain désertique ondulant. Anooralya (1995), dont le titre se traduit par « Rêve d’igname sauvage », évoque une terre plate balayée par le vent et un réseau tourbillonnant de tubercules d’igname sauvage, l’aliment de base saisonnier traditionnellement récolté par les femmes. Le mouvement des lignes de cette peinture suggère les vies et les récits d’un lieu où vie humaine et végétale s’entremêlent dans des variations dramatiques et anciennes.

Presse

Karla Otto
+33 1 42 61 34 36
Michel Hakimian
michel.hakimian@karlaotto.com

Ottavia Palomba
ottavia.palomba@karlaotto.com

Gagosian
+33 1 75 00 05 92
pressparis@gagosian.com

News

Emily Kame Kngwarreye, Untitled – Alhalkere, 1994 © ADAGP, Paris, 2022

In Conversation

The Global Rise of Indigenous Australian Art and Emily Kame Kngwarreye
Kelli Cole, Philippe Peltier, Hetti Perkins

Tuesday, March 15, 2022, 6am EdT (11am CET)

Join Gagosian for an online conversation with Philippe Peltier, former head of the Océania and Insulindia Unit at Musée du quai Branly–Jacques Chirac in Paris, and Australian Indigenous curators Kelli Cole and Hetti Perkins, in conjunction with the exhibition Emily: Desert Painter of Australia at Gagosian, Paris. The trio will discuss the introduction of Australian Indigenous artists to France in the context of the burgeoning global engagement with these artists and their ancient cultural traditions. Together they will also explore Emily Kame Kngwarreye’s legacy as one of the most celebrated Australian artists. To join, register at eventbrite.com.

Emily Kame Kngwarreye, Untitled – Alhalkere, 1994 © ADAGP, Paris, 2022