About
Maybe some words read better in neon—maybe some people look better under neon.
—Douglas Gordon
Gagosian is pleased to present a selection of neon works by Douglas Gordon. The works were produced by the on-site workshop that Gordon established in his exhibition at the gallery’s Davies Street, London, location in 2022, in which artisans worked to shape Murano glass tubing into short texts.
In his films, projections, installations, photographs, performances, and works in other mediums, Gordon investigates collective memory and our sense of psychological security through extreme distortions of time and space, often using his own work and that of other artists and filmmakers as raw material. He has made text-based works since the 1990s; most of these have taken the form of vinyl transfers applied to walls, but a few—the first being Empire, installed in 1998 in an alleyway outside a Glasgow pub—have employed neon light.
Gordon’s new neon works are autobiographical, but also spark nostalgia in the minds of many viewers raised in the same milieu; further, they resonate with the ways in which ideas and techniques are born, grow, and interconnect: “Because it’s a gas,” he has stated of neon itself, “and because it was discovered, not invented, it quickly became a byword or symbol for the very essence of discovery.” From seeing illuminated signs in old movies to observing the real thing in London’s Soho, Gordon was seduced by neon’s fusion of novelty and illicit glamour.
Ίσως κάποιες λέξεις να διαβάζονται καλύτερα αν είναι γραμμένες με νέον—ίσως κάποιοι άνθρωποι να δείχνουν ομορφότεροι όταν τους φωτίζει νέον.
—Douglas Gordon
Η Gagosian είναι στην ευχάριστη θέση να παρουσιάσει μια επιλογή έργων του Douglas Gordon από νέον. Τα έργα κατασκευάστηκαν από το εργαστήριο που το 2022 έστησε ο Gordon επί τόπου στην έκθεσή του στην Gagosian της οδού Davies στο Λονδίνο, όπου τεχνίτες έγραφαν μικρά κείμενα με γυάλινους σωλήνες μουράνο.Στις ταινίες του, στις προβολές, στις εγκαταστάσεις, στις φωτογραφίες, στις περφόρμανς και σε έργα που έχει δημιουργήσει με άλλα μέσα, ο Gordon ερευνά τη συλλογική μνήμη και την αίσθηση της ψυχολογικής μας ασφάλειας μέσα από ακραίες στρεβλώσεις του χρόνου και του χώρου, χρησιμοποιώντας συχνά ως πρώτη ύλη έργα δικά του αλλά και άλλων εικαστικών και κινηματογραφιστών. Από τη δεκαετία του 1990 δημιουργεί έργα που έχουν ως βάση τους το κείμενο. Τα περισσότερα έχουν πάρει τη μορφή αποτυπώσεων από βινύλιο πάνω σε τοίχους, αλλά σε κάποια —το πρώτο εκ των οποίων είναι το Empire (Αυτοκρατορία), που τοποθετήθηκε το 1998 σ’ ένα δρομάκι έξω από μια παμπ της Γλασκώβης — έχει χρησιμοποιήσει σωλήνες νέον.
Τα έργα που ο Gordon έχει φτιάξει με νέον είναι αυτοβιογραφικά, ξυπνάνε όμως και τη νοσταλγία σε πολλούς θεατές που έχουν μεγαλώσει σε αντίστοιχους κύκλους. Επιπλέον, απηχούν τους τρόπους με τους οποίους γεννιούνται, μεγαλώνουν και αλληλοσυνδέονται ιδέες και τεχνικές: «Επειδή είναι αέριο,» λέει μιλώντας για το νέον, «και επειδή δεν εφευρέθηκε αλλά ανακαλύφθηκε, έγινε γρήγορα συνώνυμο ή σύμβολο της ίδιας της ουσίας της ανακάλυψης» Έχοντας δει φωτεινές επιγραφές σε παλιές ταινίες και έχοντάς τις παρατηρήσει ζωντανά στο Λονδίνο, στο Σόχο, ο Gordon γοητεύτηκε από τον τρόπο με τον οποίο το νέον συνενώνει το νεωτεριστικό με την αθέμιτη αίγλη.
Κάθε έργο της έκθεσης έχει και έναν «σύντροφο» (δεν εκτίθεται) που συμπληρώνει μια γνωστή φράση από κάποια ταινία ή τραγούδι. Το I second that emotion (Συμφωνώ με αυτό το συναίσθημα) είναι στίχος τραγουδιού του Smokey Robinson που τη δεκαετία του 1980 ερμηνεύτηκε από το συγκρότημα του αγγλικού νέου κύματος Japan, και ακούστηκε πολύ όταν ο Gordon ήταν στο σχολείο. Το I don’t care I don’t care (Δε με νοιάζει Δε με νοιάζει) έχει διπλή αναφορά. Πρόκειται για στίχο που εμφανίζεται στο There Is a Light That Never Goes Out των Smiths και στο Cut Your Hair των Pavement.
Τέλος, η έκθεση αναγνωρίζει την αλλαγή στη θέση του νέον που από μια κοινή πλατφόρμα για εμπορικές επιγραφές αναβαθμίστηκε σε ευγενή τεχνολογία που παραγκώνισε η ψηφιακή οθόνη. Ο υπαινικτικός χαρακτήρας των κειμένων του Gordon συντονίζεται με την αλχημική φύση του νέον και τη θέση του στην ιστορία του μοντερνισμού: το μέσο φέρει μια μακρά και διακεκριμένη παράδοση καθώς έχει χρησιμοποιηθεί από πολλούς καλλιτέχνες, μεταξύ των οποίων οι Dan Flavin, Bruce Nauman, and Joseph Kosuth.
Τύπος
Gagosian
press@gagosian.com
Toby Kidd
tkidd@gagosian.com
+44 20 7495 1500
Βάσω Παπαγιαννακοπούλου
vassopap@gagosian.com
+30 693 748 5660
#DouglasGordon
Artist
Downloads
Press
Gagosian
press@gagosian.com
Toby Kidd
tkidd@gagosian.com
+44 20 7495 1500
Vasso Papagiannakopoulou
vassopap@gagosian.com
+30 693 748 5660
Douglas Gordon: To Sing
On the occasion of Douglas Gordon: All I need is a little bit of everything, an exhibition in London, curator Adam Szymczyk recounts his experiences with Gordon’s work across nearly three decades, noting the continuities and evolutions.
Douglas Gordon: if when why what
Douglas Gordon took over the Piccadilly Lights advertising screen in London’s Piccadilly Circus, as well as a global network of screens in cities including Berlin, Melbourne, Milan, New York, and Seoul, nightly for three minutes at 20:22 (8:22pm) throughout December 2022, with his new film, if when why what (2018–22). The project was presented by the Cultural Institute of Radical Contemporary Art (CIRCA) in conjunction with the exhibition Douglas Gordon: Neon Ark at Gagosian, Davies Street, London.
Douglas Gordon
Katrina Brown discusses the importance of Douglas Gordon’s 24 Hour Psycho (1993) and some of the films that followed, touching on threads that run throughout the artist’s career.
Gagosian Quarterly Spring 2018
The Spring 2018 Gagosian Quarterly with a cover by Ed Ruscha is now available for order.
Douglas Gordon: I had nowhere to go
Featuring an extensive interview with Douglas Gordon on the process of making his 2016 film I had nowhere to go: Portrait of a displaced person, this video, produced by Berlin Art Link, includes clips of Jonas Mekas and revealing anecdotes about the creation of the film.
Douglas Gordon and Morgane Tschiember
Douglas Gordon and Morgane Tschiember’s installation As close as you can for as long as it lasts, presented during Elevation 1049: Avalanche in Gstaad, Switzerland.