Works Exhibited
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To be simple is not always as easy as it seems.
—Ferdinand Hodler
Gagosian Gstaad is pleased to announce Swiss Made: From Ferdinand Hodler to Urs Fischer, a group exhibition of painting, drawing, and sculpture by modern and contemporary Swiss artists, and figures associated with art brut.
Swiss Made was inspired in part by Visionary Switzerland, a traveling exhibition curated by Harald Szeemann in 1992 for Kunsthaus Zürich. Szeemann framed his selection of work by iconoclastic artists in conscious opposition to the reductive notion of a Swiss “national” aesthetic, contradicting the widespread perception of Switzerland as a country without a history. The exhibition underscored the continuing influence of Constructivism and explored the legacy of the art brut tendency first identified and promoted by Jean Dubuffet in 1947.
Similarly, Swiss Made integrates the modern and the contemporary, juxtaposing work by key twentieth-century figures with that of contemporary descendants. Among several works by Ferdinand Hodler are a striking 1916 self-portrait drawing and Die Technik (1896/97), a characteristic work on paper from the artist’s Symbolist period. Hodler is known for his development of “parallelism,” a style that emphasizes the symmetry and rhythm that he believed underpin society; his work after 1900 also displays an expressionist bent in its use of strong color and geometrical simplification. A trio of works by Paul Klee includes Sommerhäuser (1926), a playful oil-and-watercolor depiction of a cluster of holiday homes, and Maske aus Zis-we-sen (1933), a watercolor portrayal of a horned head that exemplifies the artist’s repeated use of the mask as a complex motif that shifts between the humorous, the melancholic, and the macabre.
Einfach sein ist nicht immer so leicht wie es scheint.
—Ferdinand Hodler
Gagosian Gstaad freut sich, Swiss Made: From Ferdinand Hodler to Urs Fischer anzukündigen, eine Gruppenausstellung mit Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen von modernen und zeitgenössischen Schweizer Künstlerinnen und Künstlern und Art-Brut-Vertreterinnen und -Vertretern.
Swiss Made ist teilweise von der Wanderausstellung Visionäre Schweiz inspiriert, die Harald Szeemann 1992 für das Kunsthaus Zürich kuratiert hatte. Ganz bewusst wollte Szeemann mit seiner Werkauswahl ikonoklastischer Kunstschaffender einen Kontrapunkt zu der viel zu kurz greifenden Vorstellung einer «nationalen» Schweizer Ästhetik setzen und widerlegte damit auch die gängige Auffassung einer Schweiz als Land ohne Geschichte. Die Ausstellung verdeutlichte den anhaltenden Einfluss des Konstruktivismus und setzte sich mit dem Vermächtnis der Art-Brut-Strömung auseinander, die 1947 erstmals von Jean Dubuffet erkannt und gefördert wurde.
Analog dazu schlägt Swiss Made einen Bogen zwischen dem Schaffen der Moderne und der zeitgenössischen Kunst, indem Arbeiten von wegweisenden Künstlerinnen und Künstlern aus dem 20. Jahrhundert und von zeitgenössischen Nachkommen nebeneinander gezeigt werden. So werden mehrere Werke von Ferdinand Hodler ausgestellt – unter anderem eine bemerkenswerte Zeichnung mit einem Selbstbildnis sowie Die Technik (1896/97), ein kennzeichnendes Werk auf Papier aus Hodlers symbolistischer Periode. Hodler ist bekannt für den von ihm entwickelten Stil des Parallelismus, bei dem er die seiner Auffassung nach der Gesellschaft zugrunde liegende Symmetrie und den Rhythmus herausarbeitete. Seine Arbeiten aus der Zeit nach 1900 lassen mit ihrer kräftigen Farbgebung und geometrischen Stilisierung auch expressionistische Züge erkennen. Von Paul Klee ist ein Werktrio zu sehen – darunter Sommerhäuser (1926), eine verspielte Darstellung von ineinander verschachtelten Ferienhäusern in Ölfarbe und Aquarell, und Maske aus Zis-we-sen (1933), ein Aquarellporträt eines gehörnten Kopfes, das die Maske als wiederkehrendes, komplexes Motiv in seinem Werk veranschaulicht, das er teils humorvoll, teils melancholisch oder makaber verarbeitete.
Zu den zeitgenössischen Künstlern von Swiss Made zählen Louise Bonnet und Heidi Bucher. Urs Fischers grossformatiger Druck Varnish Tarnish (2022) zeigt ein Gesicht mit geschlossenen Augen in Nahaufnahme, das teilweise von einem Fragment eines anderen Gesichts verdeckt wird, was eine hypnotische Wirkung erzeugt. Peter Fischlis und David Weiss’ Pflanze (1987) aus pechschwarzem Kunstgummi gehört zu einer langen Werkreihe, bei der Alltagsgegenstände durch die Assoziation mit Massenproduktion und sexuellem Fetischismus verfremdet werden. Im «Spiegel-Bild» Gemälde Anamazon (Yield) (2021) setzt Pamela Rosenkranz ihre Erkundung des Ökosystems des Amazonas sowie des Online-Detailhandelsriesen fort, der sich dessen Namen angeeignet hat.
Die Werke von Aloïse Corbaz (1886–1964) und Adolf Wölfli (1864–1930) veranschaulichen das Kunstschaffen zweier Schweizer Künstler, die ihre Kreativität ausserhalb des offiziellen Kunstbetriebs und ohne akademische Ausbildung ausübten. Dubuffet hatte die gemalten und gezeichneten Bilder der Lausannerin Corbaz in seine Sammlung von Kunst von Psychiatriepatientinnen und -patienten aufgenommen, die den Grundstein zu Art Brut legte. Sie war auch eine der wenigen Art-Brut-Künstlerinnen, der die Kunstkritik Anerkennung zollte. Ihr Beitrag zu Swiss Made ist eine Gruppe üppiger Frauenfiguren in kräftigen Farben mit einem offensichtlichen Horror vacui, der auch Wölflis Kompositionen prägt. Ihre kennzeichnenden Visionen legen zusammen mit jenen von zeitgenössischen und fast zeitgenössischen Vertreterinnen und Vertretern des offiziellen Kunstbetriebs ein künstlerisches Schaffen in der Schweiz offen, das in seiner Nonkonformität überraschend heterogen und bunt ist.
Die Ausstellung umfasst Werke von Balthus, Max Bill, Louise Bonnet, Heidi Bucher, Aloïse Corbaz, Urs Fischer, Peter Fischli und David Weiss, Augusto Giacometti, Ferdinand Hodler, Paul Klee, Meret Oppenheim, Ugo Rondinone, Pamela Rosenkranz, Setsuko, Louis Soutter, Jean Tinguely, Felix Vallotton und Adolf Wölfli.
Faire simple n’est pas toujours aussi facile que cela en a l’air.
—Ferdinand Hodler
Gagosian Gstaad a le plaisir de présenter Swiss Made : From Ferdinand Hodler to Urs Fischer, une exposition de groupe réunissant des peintures, des dessins et des sculptures d’artistes suisses modernes et contemporains, ainsi que des personnalités associées à l’art brut.
Swiss Made s’est inspirée en partie de Visionary Switzerland, une exposition itinérante initiée par Harald Szeemann, conservateur, pour le Kunsthaus de Zurich en 1992. Szeemann avait sélectionné des œuvres d’artistes iconoclastes en s’opposant délibérément à la notion réductrice d’esthétique « nationale » suisse, en contradiction avec l’idée largement répandue selon laquelle la Suisse serait un pays sans histoire. Mettant en évidence l’influence persistante du constructivisme, l’exposition explorait l’héritage du mouvement de l’art brut que Jean Dubuffet a été le premier à identifier et à promouvoir en 1947.
De la même façon, Swiss Made réunit le moderne et le contemporain en faisant se côtoyer des œuvres de figures marquantes du XXe siècle et leurs descendants actuels. Parmi plusieurs travaux de Ferdinand Hodler, on trouve un dessin montrant un autoportrait saisissant datant de 1916 et Die Technik (1896/97), une œuvre sur papier caractéristique de la période du symbolisme de l’artiste. Hodler est connu pour avoir développé le « parallélisme », un style qui met en valeur la symétrie et le rythme, car il pensait que la société reposait sur ceux-ci ; en recourant à des couleurs fortes et à la simplification géométrique, son œuvre réalisée après 1900 marque aussi un tournant vers l’expressionisme. Une série de trois œuvres de Paul Klee comprend Sommerhäuser (1926), une représentation facétieuse à l’huile et à l’aquarelle d’un groupe de maison de vacances, et Maske aus Zis-we-sen (1933), le portrait en aquarelle d’une tête à cornes illustrant l’usage répété que l’artiste fait du masque, motif complexe qui passe par l’humour, la mélancolie et le macabre.
On trouve Louise Bonnet et Heidi Bucher parmi les artistes actuels exposés dans Swiss Made. Le vaste panneau sérigraphique d’Urs Fischer, Varnish Tarnish (2022), montre un visage en gros plan avec un œil fermé partiellement et cruellement caché par le fragment d’un second visage. Pflanze (1987), de Peter Fischli et David Weiss, qui représente le sujet éponyme – une plante – réalisé dans un caoutchouc synthétique noir très dense, fait partie d’une longue série qui interprète des objets ordinaires et les rend étranges par leur association avec la production de masse et le fétichisme sexuel. Et dans sa peinture en miroir Anamazon (Yield) (2021), Pamela Rosenkranz persévère dans ses recherches sur l’écosystème de l’Amazonie et les opérations du géant du commerce en ligne qui s’est approprié le nom.
Enfin, les travaux d’Aloïse Corbaz (1886–1964) et d’Adolf Wölfli (1864–1930) montrent la pratique de deux artistes suisses qui ont déployé leur créativité sans aucune formation académique et en dehors des circuits professionnels. Les peintures et les dessins d’Aloïse Corbaz, née à Lausanne, étaient intégrés dans la collection artistique de base de Dubuffet réalisée par des patients psychiatriques ; elle faisait aussi partie du nombre très confidentiel des artistes qui ont rencontré un succès critique important. L’artiste contribue à Swiss Made par la représentation d’un groupe de corps féminins voluptueux, interprétés dans des couleurs éclatantes avec une sainte horreur du vide, démarche qui caractérise aussi l’approche de Wölfli face à la composition. Les visions personnelles de ces artistes rejoignent celles de leurs contemporains ou quasi contemporains, qui travaillent dans le milieu de l’art établi, pour révéler l’histoire de l’art visuel en Suisse comme étant étonnamment hétérogène et empreinte d’un sain refus du conformisme.
Les artistes présentés sont Balthus, Max Bill, Louise Bonnet, Heidi Bucher, Aloïse Corbaz, Urs Fischer, Peter Fischli et David Weiss, Augusto Giacometti, Ferdinand Hodler, Paul Klee, Meret Oppenheim, Ugo Rondinone, Pamela Rosenkranz, Setsuko, Louis Soutter, Jean Tinguely, Felix Vallotton et Adolf Wölfli.
#SwissMade
Artists
Balthus
Max Bill
Louise Bonnet
Heidi Bucher
Aloïse Corbaz
Urs Fischer
Peter Fischli and David Weiss
Ferdinand Hodler
Paul Klee
Ugo Rondinone
In Conversation
Louise Bonnet and Stefanie Hessler
Gagosian hosted a conversation between Louise Bonnet and Stefanie Hessler, director of Swiss Institute, New York, inside 30 Ghosts, the artist’s exhibition of new paintings at Gagosian, New York. The pair explores the work’s recurring themes—the cycles of life, continuity and the future, and death—and discuss how the conceptual and pictorial structures Bonnet borrows from seventeenth-century Dutch still-life painting converge to form a metaphor for hard labor, basic animal urges, and the things we often try, but fail, to hide.
Between Shadow and Light
Scholar and researcher Yves Guignard, who is working on Balthus’s archives for a revision of the Balthus catalogue raisonné, examines the artist’s engagement with drawing, arguing for a more concerted attention to these works than scholarship has paid them.
Urs Fischer: Wave
In this video, Urs Fischer elaborates on the creative process behind his public installation Wave, at Place Vendôme, Paris.
Body Horror: Louise Bonnet and Naomi Fry
Cultural critic Naomi Fry joined Louise Bonnet for a conversation on the occasion of Louise Bonnet Selects, a film program curated by the artist as part of a series copresented by Gagosian and Metrograph. The pair discussed how the protagonists of the seven selected films are ruled, betrayed, changed, or unsettled by their bodies, focusing on David Cronenberg’s The Brood (1979).
In Conversation
Louise Bonnet, Johanna Burton, and Celinda M. Vázquez
Join Gagosian for a panel discussion with Louise Bonnet; Johanna Burton, director of the Museum of Contemporary Art, Los Angeles; and Celinda M. Vázquez, chief external affairs officer of Planned Parenthood Los Angeles (PPLA), on the occasion of Bonnet’s donation to PPLA of the proceeds from the sale of her painting Red Study (2022).
Louise Bonnet: On “Red Study” and Supporting Reproductive Rights
Louise Bonnet speaks with Freja Harrell about her new painting, her donation to Planned Parenthood Los Angeles, and the role of art in the fight for reproductive justice.
